La cantautrice umbra Gipsy Fiorucci torna protagonista con il suggestivo video de “Il Pianto Che Trattengo”, singolo già in radio e disponibile in tutte le piattaforme digitali (distribuzione Artist First).
Il videoclip realizzato in collaborazione con la casa di produzione cinematografica “Whiterose Pictures”, regia di Lorenzo Lombardi, direttore alla fotografia Nicola Santi Amantini, è un autentico viaggio tra i meandri dell’anima; i giardini maestosi che circondano il Palazzo Rinascimentale fungono da sfondo misterioso trasformandosi in una sorta di labirinto ancestrale in cui perdersi, per poi ritrovare la propria identità e abbracciare la totalità del proprio essere in tutte le più intime sfumature. Tra gli oggetti più rappresentativi del video possiamo ammirare il “cuore d’oro” all’interno di una teca di cristallo, centro vitale di tutto il nostro essere, la nostra fede divina, metafora del piombo che diventa oro, quando avviene in noi la trasmutazione delle nostre sofferenze e ferite interiori che si trasformano nei nostri più grandi doni e talenti.

“Per le riprese del video, progetto patrocinato dal comune di Città Di Castello, ho scelto il maestoso Palazzo Vitelli alla Cannoniera, maggior contenitore d’arte dell’Umbria assieme alla Galleria nazionale di Perugia, in quanto luogo intriso di storia, arte, cultura e sacralità; nelle sale al suo interno si trovano importanti esempi di pittura rinascimentale, tra cui alcuni tra i primissimi lavori di Raffaello Sanzio e Luca Signorelli ed è stato un grande onore poter esprimere la mia creatività e volteggiare nelle meravigliose sale del Palazzo circondata da così tanta bellezza e sontuosità.”
Gipsy Fiorucci

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L’artista, che nel video incarna un’autentica Regina della Trasmutazione, indossa un prezioso copricapo viola proprio come il colore stesso della metamorfosi, della purificazione e della spiritualità. Un pianto non solo liberatorio, ma che riesce a identificarci a tal punto da diventarne un tutt’uno, perché finalmente lo riconosciamo e lo accettiamo per la sua verità: un percorso introspettivo, mistico, a tratti disarmante, fatto di chiaroscuri che si alternano in un’eclissi dell’anima, in cui la luce incontra e si fonde con il buio, ad indicare la nostra parte ombra fatta di paure e sofferenze che si integra perfettamente con il frammento luminoso e puro che vive dentro di noi. Allo stesso tempo, la salita in ginocchio nei gradini della scalinata simboleggia le fatiche e i tormenti di una vita per realizzare i propri sogni e trovare la propria strada; le stesse scale ...

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“Inutile in mezzo agli inutili” è il titolo della nuova canzone di Davide Tonello, suonata con la straordinaria collaborazione di Gigi Cavalli Cocchi, storico batterista di Ligabue, CSI, Lassociazione.
Tratto da una riflessione del famoso aforisma 125 della Gaia Scienza di Friedrich Nietzsche il brano descrive la solitudine che prova chi è portatore di consapevolezze, idee o valori invisibili agli occhi degli altri. Il videoclip, uscito in anteprima nazionale sul portale del MEI, racconta con scene pratiche il testo aperto e filosofico della canzone, senza però intervenire in maniera pesante proprio per non distogliere l'attenzione dal messaggio generalizzato del brano. Il ruolo del protagonista è affidato come da tradizione al cantante stesso che ritroviamo in diverse situazioni completamente isolato e senza mai interagire con gli altri ad eccezione di alcuni manichini che compaiono a circa metà del videoclip. A fare da cornice alla storia troviamo le riprese effettuate in studio durante la registrazione del brano. "Inutile in mezzo agli inutili" è quell'uomo che cerca senza riuscita di far comprendere il valore di un qualcosa che non viene preso in considerazione da una società impegnata solamente ad apparire, ad accumulare oggetti e ad occuparsi di sciocchezze insignificanti come le mode del momento.

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“...Tutto sommato la mia verità resta celata a gran parte di voi, inutile in mezzo agli inutili schiavi fruitori di gesti pratici..."
Il riferimento al mito della Caverna di Platone è chiaro: lo schiavo che si libera e vede ciò che gli altri non sono in grado di vedere.
A questo punto le scelte rimangono essenzialmente due: cercare di confondersi con gli altri e vivere come vive la maggioranza di chi ti sta intorno o rimanere soli:
“...Stanco delle inutili troppe abilità fingo talvolta di immergermi nella comoda mediocrità..."
La seconda e ancor più drastica scelta di ritirarsi nella propria solitudine emarginati dal mondo esterno si esplica nella frase che chiude il ritornello:
“...A conti fatti la mia società non mi considera parte di lei: scavo com'è consuetudine in compagnia della mia solitudine..."
Il testo è un altalenarsi del protagonista tra queste due posizioni.
È un testo volutamente “aperto” e poco dettagliato, con parole che lasciano uno spazio aperto all'immaginazione e al ragionamento. Oltre a questo, è anche un modesto omaggio a Friedrich Nietzsche, chiaro esempio di genio incompreso agli uomini del suo tempo.

Come in tutti i brani dei Chrysarmonia contenuti nell’Album “Fly me to the Sun”, anche “Time to Kill” è un tributo ad entità mistiche, in questo brano le Tre Parche, divinità della mitologia classica, che presiedevano al destino dell’uomo dalla nascita alla morte. Ed è proprio quest’ultima divinità, Atropo, che appunto ha il compito di recidere il famoso filo della vita, che canta del suo ruolo, così malvisto dagli uomini ma così giusto e inevitabile. In “Time to Kill” la Dea della Morte incontra un uomo al quale deve recidere il filo della vita. Giustamente l’uomo è spaventato perché non vuole morire, ma Atropo dolcemente gli spiega che le sue cesoie saranno gentili, che non sentirà dolore e che dopo il taglio lui si sentirà meglio. Atropo conosce bene la vita di quest’uomo, sapeva di questo istante fin dal momento della sua nascita, ed egli non deve temere il suo destino. Assieme ad Atropo, nel ritornello si possono sentire anche le voci delle altre due Parche, le sue sorelle Cloto, la “filatrice” della vita; Lachesi, la “fissatrice della sorte” toccata all'uomo.
Il lyrics video, realizzato dal bravissimo Stefano Mastronicola, con le foto del famoso Art Photographer Fabio Oriani e i disegni originali della giovanissima e talentuosa Francesca Paggiarin, rappresenta e rafforza il senso del brano, incrementando l’emozione dell’ascolto.

“Il concetto della Morte che fa parte della Vita stessa è sempre molto presente nei nostri brani. La Morte però non è concepita come la fine assoluta, piuttosto la fine di un ciclo che permetterà la rinascita di un ciclo nuovo, più evoluto, esattamente come i cicli della farfalla.” Chrysarmonia

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Chrysarmonia ON Stage

Sabato 30 settembre - Circolo Via D'Acqua Pavia (PV)
Sabato 07 ottobre - Wonderloft Milano
Giovedì 19 ottobre - Legend Club (Release Valar Morghulis) Milano
Giovedì 02 novembre - Rock On The Road Senago (MI)
Venerdì 10 novembre - Area 51 Muraglio (TO)
Sabato 18 novembre - Par Del Poli Opera (MI)

Storia della band

Band Lombarda, cresciuta sull’asse Milano/Pavia, genere Alternative Metal / Hard Rock (ma qualcuno del settore musicale pensa che possano aver creato un nuovo sottogenere, definendoli Hard Soul, o Heavy Blues). Il progetto CHRYSARMONIA nasce a metà 2017 da un’idea dei quattro musicisti: Vania Guarini (compositrice, autrice e voce), Fabio Chiappella (batteria), Davide Paggiarin (chitarre) e Simone Pampuri (basso). Già cover band “5 A CASO” da quasi un decennio, i quattro decidono di dare spazio a qualche inedito composto dalla vocalist Vania, proponendone alcuni durant...

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"Saturday Night" è il nuovo singolo di "The Seer" alias Francesco Scordo, che sotto questo misterioso nome d'arte a fine 2022 aveva debuttato con un brano intimista e resiliente, ma questa volta stravolge completamente l'atmosfera! The Seer ci va giù bello forte con sintetizzatori, atmosfera dance, ma senza perdere una certa verve rock e grintosa, dando alla luce un pezzo a dir poco perfetto per una serata estiva come si deve, con un ritmo da farci perdere la testa e lasciarsi andare, ma con i buoni sentimenti e divertimento.

"Saturday Night” è una canzone dalle tinte dance/elettroniche scritta appositamente per parlare dell’atmosfera e della frenesia che può animare un qualsiasi sabato, ispirato alle mie esperienze personali, volevo esprimere quanto sia importante l’amicizia ed il fatto di godersi appieno ogni attimo del tempo trascorso insieme, in quanto tutto ciò si può trasformare di qualcosa di magico." The Seer

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Storia dell’artista

The Seer è il nome del nuovo progetto di Francesco Scordo musicista originario di Reggio Calabria che dopo varie esperienze in band della zona come bassista, decide per vari motivi di trasferirsi a Bologna e mettersi in gioco come artista solista, con l'obiettivo di far venire finalmente alla luce alcuni dei suoi brani rimasti incompiuti negli anni. Le sue influenze principali vanno dal rock alternative anni '90 fino a strizzare l'occhio alle band più in voga del panorama odierno. Ad aiutarlo nella produzione vi è Matteo Cardillo, che grazie alla sua bravura lo aiuta a realizzare un primo singolo di debutto "Andinian Echoes", uscito a fine 2022 accompagnato da un videoclip, il suo nuovo singolo "Saturday Night" appena pubblicato il 13 luglio è disponibile in tutti gli store online insieme al nuovo videoclip.

Facebook: www.facebook.com/theseer.altrock

Instagram: instagram.com/the_seer_project/?igshid=YmMyMTA2M2Y%3D

Spotify: https://open.spotify.com/artist/7CBgYPfIKOuabkT55RWJsS

YouTube: www.youtube.com/channel/UC_sGCcGF6GW_uuW2p57BHOg

I Bioscrape pubblicano il nuovo lyric video sulla traccia di “War Of Illusions”, brano incluso nell'album “Hell Or Reality”. Il brano descrive la “guerra” che ormai avviene quotidianamente in rete per emergere, primeggiare e surclassare gli altri creando vere e proprie illusioni rispetto alla realtà, tutto per ingannare la massa e accaparrarsi la visibilità e il finto successo.

Storia della band

I Bioscrape sono una band alternative groove metal di Biella (IT), nata nel 2006. Il suono dei Bioscrape è una miscela di generi, dal Thash metal, al Nu metal e all'Hardcore. La voce di Scream and Growl incolla gli elementi musicali dal suono pesante ai suoni elettronici, ricordando band come Pantera, Slipknot, Fear Factory e Lamb of God. I Bioscrape nei loro live propongono concerti di forte impatto. Ogni album dei Bioscrape ha un concetto, raccontando una storia diversa in ogni lavoro in studio. I testi sono basati su concetti.

Line up:
V - Drums
Jack - Lead Vocals
Simo - Guitar

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Il videoclip di “acid” diretto da Fabio Colonna (con Sela Tommasi) in anteprima nazionale sullo storico portale del Mei. Un video dalle forti tinte pop con riferimenti retrò dall’animo fresco e di tendenza ideato dalla stessa artista (Styling CityModa Italia - Hairstylist Giusy Murro). Giovanissima Leea Clem, cantautrice pugliese di 17 anni che inizia ufficialmente il suo percorso discografico con un disco dal titolo “Moving on” prodotto da Martino Schembri con la produzione artistica di Cosimo Taurino, per DMB Management di Rory Di Benedetto, in distribuzione Sony Music Italia e realizzato grazie al prezioso sostegno di Puglia Sounds. Album e singolo sono disponibili sui principali stores digitali e il videoclip sul canale ufficiale YouTube dell’artista.

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Leea Clem è una cantautrice pugliese di 17 anni che si è affacciata al mondo della musica da tutti i punti di vista sin da piccola. Ha iniziato a scrivere durante la quarantena del 2020 facendosi poi conoscere dal pubblico nell’estate del 2021 con la pubblicazione su tutte le piattaforme del suo primo singolo “A Universe Apart”. Nel 2022 pubblica altri due singoli, “Fool For You” e “Better With You”, tutti rigorosamente scritti da lei. E a marzo del 2022 esce “acid”, singolo di lancio del suo album d’esordio “moving on”. Nei suoi brani porta temi facilmente comprensibili a tutti, in quanto parla dei rapporti personali e delle emozioni che si costruiscono attorno ad essi. La scelta dell’inglese è dettata dal sogno di poter arrivare con le sue emozioni al pubblico non solo italiano, ma di tutto il mondo.

Spotify https://open.spotify.com/album/64aM6dxc6iq...5SPqpbOPrpmyJKw

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Anteprima nazionale Mei https://meiweb.it/2023/06/09/leea-clem-in-...disco-desordio/

L’idea di un telegiornale “positivo” che finalmente veicoli la “notizia” che qualcosa nel mondo stia cambiando e che stia cambiando in meglio! Questa l’idea dietro il nuovo video degli Overcardano, band “Rock and Synth” romana che accompagna l’uscita del loro secondo singolo dal titolo “Sta cambiando il vento” in uscita dal 22 marzo 2023.
Lo storyboard, il protagonista e la realizzazione del video sono tutti targati Overcardano che hanno voluto mettersi alla prova anche nella realizzazione del messaggio visivo che accompagna la canzone. Un modo per poter “parlare” anche attraverso le immagini oltre che con la musica.
Il brano trae la sua ispirazione da uno dei pezzi più importanti di Bob Dylan che parla proprio del cambiamento, per l'appunto “Times they are a-changing”. Dylan attraverso quel brano annunciava i grandi cambianti sociali e politici che sarebbero avvenuti nella società negli anni '60 da lì a poco. “Sta cambiando il vento” è una canzone che parla di cambiamento, ma qui si tratta di cambiamenti profondi e soprattutto che avvengano in modo più personale e cioè “interiori”. Ma siamo agli inizi e questi segnali vanno amplificati e condivisi, ed è proprio questo l’obiettivo del brano.
Il punto cardine della canzone sta nel fatto che sembra iniziare a sentirsi nell'aria che qualcosa sta per cambiare, ma questo cambiamento non è ancora realmente visibile e solo alcuni sembrano percepirlo. Questo perché il cambiamento, come dice la canzone, deve essere “dentro ognuno di noi”. Quindi non si parla di mutamenti politici o sociali, ma interiori e personali, che ovviamente si riflettono nella nostra vita di tutti i giorni. Una rivoluzione senza sangue né oscurità, ma che sia dentro ognuno di noi!

Guarda il video
www.youtube.com/watch?v=eRkk1Z13UUE

Per questo motivo “Sta cambiando il vento” è una “canzone di speranza” o meglio, un augurio per tutti noi che qualcosa possa veramente cambiare in meglio. Per citare direttamente la canzone: “Essere umani sarà la priorità, ognuno con il suo colore, la sua religione e la sua sessualità. Nessuno gira più la testa o fa finta di non vedere ma per la prima volta prende posizione. Non possiamo più accettare disuguaglianza e discriminazione”.
Certo sarebbe veramente bello che qualcosa di simile accadesse… e allora guardiamo il video, provando a rendere vero e reale questo augurio di cambiamento con gli Overcardano: “Sta cambiando il vento”.

Spotify: https://open.spotify.com/album/0sfGMUhx2RL8OqJWVuCzJm
Facebook: www.facebook.com/overcardano/
Instagram: ...

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Il Visual Videoclip del singolo “Blow a kiss” dei Mazma Rill è il racconto minimale per immagini del regista Giovanni Bufalini, sulle piccole crepe che si aprono a volte per l'azione repentina della natura, né clemente né crudele, ma che semplicemente è rispetto alle piccole creature nella vastità che ci circonda. Paesaggi nevosi, riprese aeree e a rallentatore in contrasto con le nostre immagini e l’infinitamente piccolo, come allegoria dell’impossibilità di comprendere gli eventi naturali che ci travolgono. Quando la malinconia si scongela nel blu. La canzone racconta di un saluto, un addio, un “ci rivedremo”, con il più semplice dei gesti: un bacio soffiato. In pochi attimi il silenzio, il buio e l’amore di una vita che scivola via dal nostro destino. Un dolce gesto che fa affiorare nell’anima centinaia di ricordi con la certezza che chi abbiamo amato resterà, legato per sempre al nostro cuore. Il dramma di una perdita dinanzi alla potenza e al cinismo di una natura scatenata che pretende vite dando in cambio solamente dolore.

Articolo Sky Tg24
https://tg24.sky.it/spettacolo/musica/2023...ow-a-kiss-video
La band ha voluto affrontare un tema delicato rivoluzionando il proprio classico sound in una veste acustica dal forte impatto emotivo. Una interpretazione vocale del frontman Antonio Orlando in cui ha cercato di cogliere ogni minima sfumatura di una tragedia del genere. Un cantato di cuore, sofferente, dolcemente sincero e autentico. Alle chitarre distorte i Mazma Rill hanno preferito le note di un violino suonato dal bassista Luca Degl’Innocenti che dona solennità e tensione con l’aiuto di un pianoforte denso e delicato e dall’accompagnamento di un basso registrato dal batterista Ettore Saluci. Una vera rivoluzione sonora per la band che continua a sperimentare su vari generi e stili diversi senza mai però rinnegare la loro vena grunge, progressive e alternative-rock. L’ispirazione di questa ballad prende spunto dalla tragedia accaduta nel 2017 sugli appennini abruzzesi, precisamente in località Rigopiano, in cui persero la vita 29 persone, tragedia che ha scosso non solo la comunità abruzzese, ma l’intera nazione. Il cantante è stato segnato in particolare dal dramma vissuto da un uomo che ha perso la sua compagna in questo triste evento. Una perdita dolorosa, dai tratti cinici e brutali. Un amore spezzato improvvisamente sui cui regna l’impossibilità di fare qualcosa. Da lì è nata la melodia con i primi arpeggi di chitarra: è bastata una notte fredda di gennaio, le emozioni, la chitarra, ed il crepitio del fuoco di un camino per dare vita ad una canzone intensa e profonda su cui gli artisti si sono immediatamente commossi. Un motivo che li ha spinti a lasciare per un momento le dure sonori...

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Fuori in anteprima nazionale sul portale del MEI il videoclip di “I was born here”, primo singolo estratto dall’album “Play the Joker” di prossima uscita che segna il ritorno del grande artista e polistrumentista Marco Bartoccioni. Il video è stato girato con la produzione americana OR Video Production, in Italia, in un edificio bombardato durante la Seconda Guerra mondiale. E’ stato concepito per essere un video di spaccatura tra le generazioni passate e quella moderna. La corsa che Marco affronta per tutta la durata del video è metafora del tentativo di stare al passo con i ritmi del mondo di oggi, un mondo frenetico, spesso superficiale. Stare al passo, ma senza esserne vittima e affermare con forza “I was born here”, in un luogo che potrebbe essere definito dalle nuove generazioni “vecchio” e “antico”, ma pieno di storia e cultura.

Guarda il videoclip
https://meiweb.it/2023/03/08/marco-bartocc...-was-born-here/
Marco Bartoccioni nasce a Roma il 20 dicembre 1978. Chitarrista e polistrumentista, collabora e ha collaborato con: Teresa De Sio, Mike Grenee, Millie McLane, Dave Bechtel, Chad Cromwell, Mike Payne, Adam Nitti, David Price, Leszeck Chikonsky, Krzysztof Rybarczyk, Lecia Lousie. Dal 2005 inizia ad approfondire tutto il mondo musicale “Slide” in particolare, che racchiude Dobro, Weissenborn, Lap Steel, Pedal Steel, quest'ultimo strumento studiato ed approfondito in Danimarca dal maestro Hanging Cock, banjo e mandolino avvicinandosi anche a strumenti a corda di culture lontane dalle nostre (Russia-Giappone-Afganistan). Nella sua carriera ha partecipato a tour internazionali in USA, Russia, Francia, Svezia, Germania, Polonia, Inghilterra, Belgio e Bulgaria.

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Di fronte all’idea, per celebrare il legame con la sorella Celeste, di creare un video di forte impatto per un brano che rispecchiasse il loro vissuto di questi ultimi anni, Jey ha scelto di elaborare il suo ultimo singolo “Morfeo”. L’artista canta da 17 anni, i suoi primi palchi sono state le panchine del parco, seduta a gambe incrociate intonando i versi di Noemi e Giorgia, perché nei loro ritornelli c’era sempre qualcosa di magico. Col tempo ha avuto l’onore di specializzarsi col Maestro Jose Carreras e cantando come soprano per il grande Maestro Riccardo Muti.
Jey riporta in questo progetto una serie di riflessioni personali e versi scritti dalla sorella Celeste nel singolo che darà il via al suo futuro album (in versione poli strumentale in via di stesura) legati al conflitto interiore in cui ci troviamo quando la vita ci mette alla prova aprendo le porte a storie d’amore, o meglio chiamarle sfide speciali, tra noi stessi e l’altro che ci accompagna. Questo brano ha unito l’artista a Celeste in un’unica via, dalle difficoltà affrontate in passato alle condizioni comuni di questo presente così nostalgico.

L’artista racconta

“Morfeo” è un singolo che parla di una crescita personale, di un rapporto condiviso estremamente intimo e privato, talmente potente da riuscire a cambiare tutte le carte in tavola in una relazione vissuta troppo presto, o forse parzialmente incompresa tra una “bella” e una “bestia’’. Un rapporto tanto forte quanto amaro, ma profondamente dolce nella sua impronta che non sarà mai
dimenticata. Ho voluto un video come concetto Visual rispecchiando un po’ il senso della cartolina ricordo, come le vecchie immagini studiate ad hoc dal regista Giovanni Bufalini, (che ringrazio infinitamente per aver creduto nel mio progetto) per immortalare e rivivere momenti d’amore sincero, che la nostra memoria spesso nasconde per sopravvivenza. Sono riportati diversi elementi a me stretti per creare questo contorno e mettere in risalto certe parole attraverso i suoni gentilmente accompagnati dalle scenografie d’epoca del cinema americano ed italiano anni ’30,’40 e ’50 e da simboli della natura per evocare il nostro sentimento. Il progetto visual accompagna questa tematica delicata ed introversa liberando segnali forti ed incisivi di tutta la nostra passione.

“Vorrei diffondere un messaggio a tutte le mie fan: nell’amore l'incontro è più forte di ogni distacco che subiamo. Ognuno nasconde una propria luce. Dobbiamo solo scoprire l'arte che risiede in noi e in chi è al nostro fianco e trovare il coraggio di tirarla fuori accettando le perdite e le sconfitte, scoprendo finalmente la versione migliore di noi stessi.” Jey

Guarda il video
https://youtu.be/7fspxv3w2AQ

Il Visual di “Morfeo” riflette sul concetto del brano musi...

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